MYRNYI - 21

 1798_ MYRNYI - 21, Ucraina, 2023. Regia di Akhtem Seitablaev

Se c’è un cineasta particolarmente attivo nel raccontare sin dai primi vagiti la guerra russo-ucraina, questi è Akhtem Seitablaev: è stato interprete nello splendido Homeward [Homeward, Nariman Aliev, 2019], coregista del profetico Nomery [Nomery, Oleg Sentsov e Akhtem Seitablaev, 2020], regista dell’avvincente Cyborgs – Heroes never die [Cyborgs – Heroes never die, Akhtem Seitablaev, 2017] e della miniserie televisiva Dobrovolets [Dobrovolets, Akhtem Seitablaev, 2020]. Tra gli argomenti trattati, si va dalla Crimea, dal punto di vista tataro –storica minoranza etnica della penisola, a cui appartiene il regista– all’assedio dell’aeroporto di Donetsk [Seconda Battaglia dell’aeroporto di Donetsk, settembre 2014, gennaio 2015], alle gesta dei militari volontari ucraini impegnati nella guerra contro l’aggressione russa. Con uno sforzo di fantasia, si può leggere una metafora all’attuale situazione ucraina anche in un altro recente film di Seitablaev, The Rising Hawk – L’ascesa del Falco [The Rising Hawk – L’ascesa del Falco, The Rising Hawk, Akhtem Seitablaev e John Wyn, 2019]. Si tratta di un film storico ambientato nel XIII secolo, ispirato dal libro Zakhar Berkut di Ivan Franko, che racconta della Rus’ di Kyiv ai tempi delle invasioni mongole. Zakhar Berkut è il capo di un villaggio sui Carpazi ucraini tradito dal boiardo Tugar, il nobile di riferimento dell’area, che accetterà di  «vendere» i suoi sudditi ai predoni mongoli di Burhunda, in cambio del proprio tornaconto. Volendo vedere, lo sforzo non è nemmeno eccessivo: se poniamo che il villaggio sui Carpazi sia l’Ucraina, il presidente Yanukovich sia il boiardo Tugar e Putin sia Burhunda, a quel punto il gioco è fatto. Per onestà intellettuale è utile ricordare che la Produzione di The Rising Hawk – L’ascesa del Falco è frutto di una cooperazione ucraino-statunitense, cosa per altro intuibile dal cast e dall’aspetto formale mainstream dell’opera. In che accresce l’ipotesi che, nel film, ci sia un intento propagandistico, per quanto in forma indiretta. 

Un anno dopo l’inizio della famigerata Operazione Militare Speciale voluta da Putin, Seitablaev ritorna ad uno dei momenti topici dell’inizio della crisi, all’indomani dell’annessione della Crimea alla Federazione Russa. I protagonisti della vicenda sono i militari della Guardie di Frontiera di Luhans'k in quei primi di marzo del 2014. La situazione è tesa anche da un punto di vista geografico: il capoluogo è situato nella parte orientale  dell’Oblast' ed è, infatti, a solo una ventina di chilometri dal confine con la Russia. La guarnigione si trova praticamente intrappolata nel proprio territorio, dove scorre sempre più ardente il sentimento secessionista. Quelli che erano fino a pochi giorni prima semplici colleghi, stanno diventando, minuto dopo minuto, veri e propri nemici: Seitablaev comunica questo spaesamento allo spettatore non dilungandosi in dettagli e spiegazioni sui corpi militari di appartenenza, per cui, soprattutto nelle fasi iniziali, si fatica un po’ a prendere le giuste coordinate narrative. Personaggi nemici tra loro, come il colonnello Avdieiev (Andrii Saminin), comandante del posto di frontiera ucraino, e Molotov (Ihor Dymov), ambiguo leader separatista, si conoscono, hanno confidenza tra loro, si chiamano al cellulare quando vogliono proporre trattative, sebbene rimangano entrambi fedeli ai propri ideali. Non è però usuale, in uno scenario bellico, vedere i rispettivi capi delle due fazioni, schierate e pronte alla battaglia, scambiarsi telefonate se non proprio cordiali, quantomeno educate e rispettose. Anche questo concorda, insieme alle poche informazioni sulle forze in campo, a creare quella sensazione di straniamento probabilmente simile a quella che vissero i cittadini di queste regioni del Donbas, che si trovarono catapultati dall’oggi al domani nel mezzo di una guerra civile, con amici di infanzia, quando non mogli, mariti, fidanzate o fidanzate, che spesso finirono dall’altra parte della «barricata ». In quest’ottica il lavoro di Seitablaev è funzionale, perché, nonostante questo spaesamento, lo spettatore è trainato dentro la storia dalle varie trame, non esattamente capolavori di costruzione narrativa ma comunque efficaci.

C’è, ad esempio, il figlio di papà, il tenente Dober (Maksym Devizorov), che, oltre a combinare un pasticcio dietro l’altro, soffre dell’ingerenza dell’ingombrante padre (Oleh Stefanov) mentre cerca vanamente di flirtare con la bella infermiera Maryna (Lorena Kalibabchuck) facendo inavvertitamente ingelosire il fidanzato di Olia (Marila Shtofa) e altro ancora. Come da copione, nel finale è poi in grado di riscattare i ripetuti errori con un’azione che permette a tutto il contingente di fare fagotto dalla caserma sotto assedio e, in quel momento, sul punto di cedere. I Separatisti hanno infatti ricevuto gli aiuti militari dalla Russia, mezzi corazzati e tutto il necessario per sfondare le barricate e al colonnello Avdieiev non rimane altro da fare che provare a tagliare la corda salvando più vite possibile, conservando armi e insegne. Da segnalare, nel cast, la presenza di Evgeniy Lamakh, Larysa Rusnak e Oleksii Trytenko, con quest’ultimo che interpreta Koiot, il classico stereotipo del soldato russo alla «Ivan Drago» [il pugile russo interpretato da Dolph Lundgren, rivale di Rocky Balboa in Rocky IV, Sylvester Stallone, 1985] che, tuttavia, riserva agli spettatori una sorpresa nel finale. Solo un colpo di scena fine a sé stesso? Oppure un modo per dire, da parte del regista Seitablaev, che il regime sovietico, di cui Koiot rappresenta uno dei cliché più efficaci, era preferibile, era più «onesto», dei più suadenti e affabili nuovi interlocutori come Molotov? Tra l’altro, Molotov, come nome, oltre che al discusso statista sovietico, rimanda alla famosa bottiglia incendiaria: dall’aspetto innocuo ma letale. Una politica di comunicazione utilizzata spesso, in quei primi anni della crisi russo-ucraina, da parte del Cremlino, se si pensa anche alle cosiddette «Persone Educate» o «Persone Gentili», ovvero le truppe di Mosca che si introdussero clandestinamente in Crimea agevolandone la successiva annessione alla Federazione Russa. In definitiva Myrnyi-21 è un buon film d’azione, avvincente e adrenalinico, con alcuni spunti interessanti. Merita una citazione anche la battuta con cui il colonnello Avdieiev ammonisce il rivale Molotov che si appresta ad attaccare il presidio delle Guardie di Frontiera ucraine: “Non mordere più di quanto puoi masticare”. Un avvertimento che, se pensiamo agli evidenti obiettivi dell’attacco su vasta scala del 24 febbraio 2022, poi ridimensionati alla sola area orientale dell’Ucraina, sarebbe stato utile anche per Mosca.   

     

VEDA

1797_VEDA , Turchia, 2010. Regia di Zulfu Livaneli

Film biografico che racconta la figura storica di Mustafa Kemal Atatürk, Veda (termine che significa addio) di Zülfü Livaneli è un’opera dalla confezione formale pregevole. Livaneli è un artista poliedrico e utilizza le sue conoscenze specifiche, dalla musica alla poesia all’impegno politico, per una ricostruzione della vita del padre della Turchia moderna che sia anche un film godibile ed avvincente. In questo senso l’autore riesce pienamente nel suo scopo. Naturalmente nel momento in cui si sceglie un approccio così leggero, dovendo poi condensare in un paio d’ore scarse la vita di uno dei più importanti uomini del XX secolo e le sorprendenti trasformazioni che indusse nel suo paese, è chiaro che un lavoro di semplificazione degli elementi in gioco sia legittimo oltre che necessario. Oltretutto, raccontare l’evoluzione dall’Impero Ottomano nella Repubblica Presidenziale Turca, da paese ancora fortemente influenzato dalla religione a stato che provava ad essere laico, non è certamente un’operazione semplice. Qualche errore, qualche imprecisione storica, è quindi da mettere in conto, e non ci si deve fossilizzare su queste eventuali inesattezze per valutare l’operato di Livaneli. Per le ricostruzioni storiche rigorose ci sono gli studiosi di Storia; gli artisti è legittimo che si cimentino in campo artistico anche quando si mettono alle prese su fatti e persone realmente esistiti. L’importante è che lo sguardo complessivo sia d’aiuto a comprendere meglio e che eventuali licenze poetiche non siano occultate o spacciate per verità. E anche in questo senso Veda se la cava: il film sconfina troppe volte nell’agiografia di Atatürk ma va riconosciuta la grandezza dell’uomo politico soprattutto in relazione alle condizioni del suo paese. Mustafa Kemal trasformò la Turchia in modo sorprendente e, nel farlo, riuscì in un’autentica impresa. Che questa visione moderna e in assoluto anticipo sui tempi venisse proprio ad un uomo di guerra, un vero guerriero come Atatürk, è un ulteriore elemento di merito anche se forse proprio in questo aspetto si nasconde la radice del limite della sua opera. Kemal aveva trascinato la Turchia con la sua personalità, con la sua leadership ma cosa è realmente rimasto della sua eredità? Siamo sicuri che le recenti svolte della Turchia stiano seguendo ancora le sue direttive o, forse, il paese tra i due continenti stia tornando sui propri antichi passi? Domande che esulano, forse, l’ambito cinematografico seppur strettamente legate al film di Livaneli. Ma andiamo con ordine perché, come detto, Veda è un’opera di agevole fruizione: la vita di Atatürk è raccontata dal fraterno amico Salih (Serhat Mustafa Kılıç) mentre assiste il leader turco al suo capezzale. Questo escamotage narrativo giustifica una descrizione effettivamente un po’ troppo in odore di venerazione per i moderni canoni cinematografici; ma si è detto dell’importanza del personaggio in assoluto e ancor più se riferita al proprio contesto. La vita del protagonista è tratteggiata per sommi capi a partire dall’infanzia, tanto che sono stato impiegati quattro attori differenti per interpretare Mustafa Kemal nelle varie fasi della vita. Da bambino (interpretato da Kaan Olcay) si distingue subito nelle vie di Salonicco per i capelli biondi e gli occhi chiari. Divenuto più grandicello (Bartunç Akbaba) entra alla scuola militare e comincia ad avere le prime divergenze con la madre Zübeide (Dolunay Soysert), fervente religiosa. Una volta adulto (Sinan Tuzcu) in Mustafa Kemal si fa via via più nitida la visione della necessità di una trasformazione della realtà turca in uno stato moderno sul modello occidentale. Ma non saranno certo le avveniristiche idee del giovane a dargli la fama e il consenso generale quanto i successi militari. 

Da questo punto di vista uno dei passaggi decisivi fu la sua esperienza a Gallipoli durante la Prima Guerra Mondiale. La sua abilità di stratega in battaglia oltre ad un segno del Destino di grande clamore (il colpo che lo ferì al cuore senza ucciderlo) accelerarono la sua scalata fino al rango di pascià. Va detto che gli scontri sulla penisola di Gallipoli nella resa scenica di Livaneli lasciano particolarmente a desiderare ma, come detto, non è in questi dettagli che risiede l’importanza del film. Del resto anche la successiva ascesa di Atatürk è ancora più abbozzata: le riforme introdotte, la laicizzazione dello stato, l’introduzione dell’uso del latino come scrittura, il divieto per gli uomini di portare il fez, il tipico copricapo turco, e il chador, il velo, per le donne, sono appena accennate. Ma questo perché qui il discorso di Livaneli entra nel vivo ed è legato alle due donne della storia e alla loro importanza nella vita di Mustafa Kemal. La bella e delicata Fikriye (Özge Özpirinçci) è una sorta di cugina di Mustafa e ne è da sempre innamorata tanto che l’uomo si affeziona a lei in modo sincero. Ma a Smirne il pascià incontra Latife (Ezgi Mola), donna facoltosa, istruita e conoscitrice della cultura occidentale. Dapprima come semplice interprete poi sempre più in confidenza, Latife arriva ad occupare nel cuore di Mustafa Kemal il posto di Fikriye che, tra l’altro, è malata di tubercolosi. Nella superficialità con cui l’uomo si invaghisce di Latife dimenticandosi di Fikriye si potrebbe leggere una critica alla sua condotta ma l’attenzione dell’autore è spostata altrove. Livaneli con i tre elementi del triangolo sentimentale imbastisce infatti una metafora di cui purtroppo svilisce l’effetto dichiarandola esplicitamente. Apprendiamo infatti dal racconto di Salih, voce narrante del film, come Fikriye simboleggi l’oriente tradito e abbandonato in favore della svolta occidentale impersonata da Latife. Che però si rivela sbagliata: la donna, infatti, una volta sposata con Mustafa Kemal, cerca di forzare i tempi pretendendo che l’ambiente rinneghi le proprie origini. In sostanza Livaneli vuole dire che Atatürk con la sua occidentalizzazione del paese abbia finito per tradire la vera natura della Turchia, come detto incarnata dalla dolce Fikriye. Tuttavia sarebbe sorprendente che un autore completo come Livaneli abbassi tanto il livello del suo lavoro smascherando esplicitamente un meccanismo che funziona a dovere solo se viene tenuto in secondo piano. Infatti, in una metafora, una volta che viene dichiarata, allo spettatore verrà naturale scorgerne le incoerenze piuttosto che quegli abbinamenti ormai divenuti scontati. E infatti è un’altra la metafora che colpisce maggiormente in Veda. Come detto il film si intitola addio e trova il suo culmine con la morte di Atatürk. Già il suo abbandonare Fikriye aveva provocato il suicidio della donna; allo stesso modo quando il pascià muore e abbandona anche Salih, questi si uccide. In sostanza si può concludere che le persone che più hanno amato Mustafa Kamel non sono riuscite a sopportare di sopravvivergli. Qui la metafora appare folgorante oltre che celare una critica che, vista dall’esterno, appare durissima per il leader: non essere stato in grado di formare, preparare ed educare coloro i quali hanno creduto in lui affinché potessero andare avanti, proseguendo la sua opera. E nessuno ha creduto in Atatürk quanto il popolo turco. Purtroppo, gli sviluppi recenti della Turchia potrebbero rivelare la verità nascosta in questa metafora. 

IL GIOVANE HITLER

1796_IL GIOVANE HITLER (Hitler: The Rise of Evil), Canada, Stati Uniti, 2003. Regia di Christian Duguay

Ricostruzione tutto sommato abbastanza credibile della prima fase della vita del dittatore nazista, Il giovane Hitler di Christian Duguay è un prodotto televisivo più che dignitoso. In America la fiction per il piccolo schermo gode di ottima salute e l’argomento, l’ascesa di Hitler al potere, ha sempre un notevole fascino e quindi il risultato non può che arrivare di conseguenza. Al netto di qualche passaggio un po’ enfatizzato,  ma visto il tema non è nemmeno un limite grave, Il giovane Hitler è avvincente dal primo all’ultimo minuto. La recitazione è professionale e di ottimo livello, come si conviene ad un prodotto d’oltre oceano. A partire da Robert Carlyle, nei panni di un Hitler teso come una corda di violino, ma di in gran spolvero anche le prestazioni di Liev Schreiber (Hanfstaengl, imprenditore tedesco), Matthew Modine (Fritz Michael Gerlinch, giornalista, unico o quasi, ad opporsi all’ascesa del Führer) e Julianna Margulies (Helene Hanfstaeng), come del resto prevedibile visto il curriculum di questi attori. Centrati anche tutti gli altri personaggi: Göring, Goebbels, Hess; funzionale, ma anche evidente motivo di orgoglio per la produzione, la presenza di un attore del calibro di Peter O’Toole nei panni del monumento patriottico tedesco Paul von Hindenburg, ex generale e uomo politico di assoluto prestigio. Insomma, nell’ottica di una ricostruzione storica unita alle necessità d’intrattenimento, si tratta di un’operazione di buon livello. C’è qualche imprecisione ma in generale niente di imperdonabile; è pur sempre un testo divulgativo e non un trattato storico rigoroso. C’è anche una sorta di morale della favola o, se vogliamo stare più attinenti, morale della Storia, visto che si tratta di avvenimenti reali e ancora assolutamente attuali. In questo senso il regista mostra la presunta citazione di Edmund Burke (1729-1797) “La sola cosa necessaria affinché il male trionfi è che gli uomini buoni non facciano nulla”. Al netto sulla sua discussa paternità, la frase, se è presa per quello che è in sé stessa, può essere intesa come uno sprone agli uomini dai valori positivi a darsi da fare e quindi è certamente condivisibile. Ma se viene posta a corredo in un film che narra dell’ascesa di Hitler nella Germania dell’epoca, qualche dubbio sulla sua attinenza può venire. Perché nel film, uno dei pochi ‘uomini buoni’ , ovvero il giornalista Gerlinch, si dà anche troppo da fare, facendo una brutta fine. Il fatto è, appunto, che i citati uomini buoni sono troppo pochi, nella Germania del primo dopoguerra; almeno da quella mostrata nel film che, come detto, è nel complesso abbastanza credibile. Quello che, da un punto di vista americano anche comprensibilmente, con Il giovane Hitler si cerca di dire è che le forze positive del paese abbiano girato la testa dall’altra parte, abbiano finto di non vedere, permettendo al Nazismo di prendere il potere. 

Ma è una tesi frutto di un sistema che cerca di difendersi dalle critiche che dovrebbe invece fare proprie, prendendo come lezione utile quello che è successo in Germania a quel tempo. Infatti, nel 1932, alle elezioni quello nazista divenne il partito di maggioranza relativa: elezioni democratiche che diedero un risultato che può avere una serie di motivazioni ma che non può comunque essere derubricato semplicemente al fatto che ‘gli uomini buoni non hanno fatto nulla’. Così come in Italia, nel 1924, alle elezioni in cui stravinse la Lista Nazionale capeggiata da Benito Mussolini, il punto chiave di questi passaggi epocali fu l’adesione a questi movimenti da parte della maggioranza della popolazione. Di uomini buoni, in Germania nel 1934 ce n’erano, ma non erano la maggioranza, tutto qui. La maggioranza era con Hitler; maggioranza relativa (almeno in principio), certo, ma questo è un altro punto discutibile, o almeno su cui interrogarsi, di molte forme di democrazia che, per poter funzionare, consentono la guida del paese ad una minoranza (la maggioranza relativa quello è, la minoranza più numerosa in un panorama di sole minoranze). Il problema del consenso di Hitler non fu che i suoi oppositori non fecero abbastanza, ma che ne aveva troppo pochi. Il Führer, nella sua follia, era l’incarnazione di secoli di cultura della violenza, della prevaricazione, dell’autoritarismo: e non fu probabilmente un caso che bastarono una manciata di anni di regime democratico perché il fenomeno del Nazismo, che coagulava intorno a Hitler questi sentimenti largamente diffusi, esplodesse in tutta la sua virulenza. Il potere monarchico, l’imperatore, l’apparato nobiliare, oltre ad aver creato questo magma ideologico, fungevano anche da coperchio, mantenendo compressi quei moti che covavano nella pancia della nazione, tenendoli a bada con il giogo del loro dominio, lasciandogli sfogo nelle perenni guerre che al tempo stesso li alimentavano. Il sistema democratico mise semplicemente in luce la vera natura delle cose. Insomma, parafrasando la citazione riportata nel film: in democrazia ‘la sola cosa necessaria affinché il male trionfi è che gli uomini cattivi siano in maggioranza’. Anche solo relativa.   

IL GIOVANE MUSSOLINI

1785_IL GIOVANE MUSSOLINI , Italia, Rep. Ceca, Germania, Spagna, 1993. Regia di Gianluigi Calderone 

Dopo la prima mezzora di visione, può sorgere il dubbio che Il Giovane Mussolini di Gianluigi Calderone sia uno sceneggiato televisivo dedicato alle prime prestazioni sessuali del futuro Duce d’Italia. Del resto Antonio Banderas, chiamato ad interpretare Mussolini, potrebbe anche sembrare adeguato a questo scopo; e poi è previsto anche l’arrivo di Claudia Koll, a quel tempo nota soprattutto per il ruolo scollacciato in Così fan tutte (1992, di Tinto Brass). Ma si tratta una falsa pista, forse una sorta di pegno da pagare da Calderone ai canali televisivi produttori (tra cui l’italiana Rai Due, in genere sempre meno casta della sorella maggiore Rai Uno), e di cui il regista si libera appunto presto. Impressioni, certo, ma in seguito, e ci saranno altre tre ore di filmato, Il Giovane Mussolini eviterà ogni riferimento pruriginoso e anche quando Donna Rachele (interpretata da una castissima Koll) sembrerà lamentarsi di essere trascurata dal marito Benito la cosa non avrà alcuno sviluppo. Il film, quindi, finisce per rispettare pienamente le aspettative che promette, perché la figura di Mussolini da giovane è indagata proprio nel suo aspetto più interessante: la sua formazione caratteriale e, soprattutto, politica. E, visto che in apertura ne abbiamo in qualche modo messo in dubbio l’efficacia, bisogna anche sottolineare l’interpretazione di Banderas che riesce ad essere convincente e credibile. Il futuro Duce comincia la sua carriera politica nel Partito Socialista di cui è convinto attivista; le sue idee sembrano davvero aderire al movimento rivoluzionario dell’epoca. Dotato di una notevole ambizione personale, non ha però grandissime doti di leadership così come, se è un ottimo giornalista dalla spiccata verve polemica spesso strumentale, non possiede una cifra autoriale di grande livello. I suoi discorsi non incantano per i contenuti e, volendo vedere, nemmeno tanto per la retorica; possiede però l’innata capacità di cogliere l’attimo, di dire esattamente quello che la gente vuole sentirsi dire in quel momento. A fare da cartina tornasole di ciò è la questione legata all’intervento dell’Italia nella Grande Guerra: Mussolini è ideologicamente assolutamente contrario. Lo è per presunto pensiero ideologico e anche perché proprio su una manifestazione contro la guerra, quella contro la guerra in Libia del 1911, aveva sfruttato in modo mirabile la situazione per affermarsi sul panorama politico nazionale. 

A sorpresa, affiancandosi apertamente al suo nemico storico, il repubblicano Pietro Nenni (Luca Zingaretti), era riuscito a riscattare la sua traballante figura politica dando prova di quello che era forse il suo più grande talento, l’opportunismo storico. Nel 1915 c’è chi prospetta un nuovo intervento bellico italiano, questa volta nella Prima Guerra Mondiale: Mussolini, che aveva saldamente assunto il comodo ruolo di direttore dell’Avanti, il quotidiano del Partito Socialista, è decisamente contrario alla partecipazione al conflitto. Ma, stimolato e istigato da un articolo di Massimo Rocca (Franco Castellano) su Il Resto del Carlino, che lo definisce Uomo di paglia criticandone in sostanza il doppiogiochismo, Mussolini comprende non tanto che si stava sbagliando ma che la posizione politicamente vincente è diversa da quella tenuta di non interventismo e si inventa una formula, la neutralità attiva e operante, emblematica del suo modo di intendere la politica. Dietro l’evidente contraddizione di termini, Mussolini nasconde il suo tentativo di cambiare clamorosamente schieramento in modo discreto, senza ammettere un voltafaccia che lederebbe la sua figura pubblica di personaggio coerente a sé stesso. Lo scontro col Partito Socialista è inevitabile visto che ideologicamente gli uomini del movimento sono e restano contrari alla guerra. Mussolini ha però i suoi assi nella manica: da una parte ha raccolto l’amo gettato da Filippo Naldi (Andrea Giordana) direttore di quel Il Resto del Carlino che l’aveva stuzzicato con l’articolo di Rocca ed ora riesce ad ottenere da questi finanziamenti per fondare il suo giornale, Il Popolo d’Italia. Che, già dalla testata, è già una bella piroletta ideologica per chi era stato fin lì direttore de l’Avanti che era il portabandiera dell’internazionalismo socialista. Ma, contemporaneamente, si reca in Svizzera per ottenere altri fondi finanziari dai francesi che premono per un intervento militare dell’Italia a fianco della Triplice Intesa, sconfessando quindi quella Triplice Alleanza che legava il belpaese allo schieramento avverso. Che sia stato proprio Mussolini uno degli artefici di questo clamoroso voltafaccia, l’Italia in effetti entrerà in guerra contro quelli che erano i suoi alleati, rientra pienamente nel suo più vero e profondo credo politico: l’opportunismo.    

IL TRENO DI LENIN

1784_IL TRENO DI LENIN , Italia, 1988. Regia di Damiano Damiani

Il trasferimento di Lenin da Zurigo, dove era in esilio, a Pietrogrado, nella primavera del 1917, fu uno degli eventi chiave della Prima Guerra Mondiale. Accelerò, infatti, l’uscita della Russia dal conflitto permettendo all’Impero tedesco di concentrare i suoi sforzi sul fronte occidentale e, in parte, anche su quello italiano. E, in effetti, il viaggio in treno del leader bolscevico che attraversò mezza Europa fu organizzato proprio dai tedeschi. Da un punto di visto storico la cosa è certamente molto interessante, perché l’Impero tedesco avrebbe avuto da temere da un successo politico di Lenin in patria, essendo il socialismo molto diffuso anche in Germania dove poteva contare sul malcontento della popolazione, affamata e mandata in miseria dalla guerra. Ma, evidentemente, al comando tedesco avevano problemi più urgenti da risolvere come, ad esempio, l’intervento americano nel conflitto. Questo gioco ad incastri di natura geopolitica è però legato ad ipotesi e congetture sulle conseguenze delle scelte operate: materiale interessante, come detto, ma ben poco cinematografico. E’ quindi una sfida notevole quella che la Rai (in collaborazione con Taurus Film e alcune televisioni europee) decide di intraprendere: una miniserie televisiva in due episodi, 200 minuti in tutto, per raccontare un viaggio in cui, di azione, ce ne sarà ben poca. Il risultato finale è notevole. Il primo colpo da maestro, per la riuscita dell’operazione, è l’ingaggio del regista Damiano Damiani. Il cineasta friulano aveva alle spalle un’ottima carriera cinematografica, dove aveva affermato una sua precisa linea poetica. I suoi testi più rinomati erano legati a temi di scottante attualità in un tempo, quello degli anni di piombo, non certo semplice da gestire: i film d’inchiesta, i suoi gialli politicamente impegnati, sono tra i passaggi rilevanti del cinema italiano del periodo. Ma Damiani se l’era cavata egregiamente anche adattando romanzi o col cinema di genere più puro, riuscendo, nel caso dello spaghetti western Quién sabe? (1966), ad inserirvi una traccia politica in modo coerente. Insomma, quello che, nel 1984 viene chiamato dalla tv di stato a dirigere la serie epocale La Piovra è un autore completo e autorevole. La carriera di Damiani è al suo apice e da lì non potrà che calare ma, nel 1988, l’autore torna a lavorare per la televisione e ritrova lo smalto migliore. Il treno di Lenin è infatti, pur con le difficoltà insite nella natura del testo, un film appassionante e avvincete. La prima parte verte sulle concitate manovre per organizzare un’operazione così atipica: i colloqui tra gli intermediari e i comandi tedeschi si susseguono serrati e danno ritmo ad una narrazione fatta esclusivamente di relazioni e accordi da trovare. In sostanza, la tattica del rimpallo tra i vari incontri preparatori regge fino ad un certo punto, poi comincerebbe a mostrare la corda. 

E qui che la produzione cala i suoi assi: entrano infatti in gioco gli interpreti principali, su cui svetta Ben Kingsley (nei panni di un credibilissimo Lenin), già premio Oscar per il ruolo di protagonista in Gandhi (di Richard Attenborough, 1982). Kinsley ha l’esperienza e il carisma per interpretare un ruolo importante come quello di Lenin sobbarcandosi, con i primi piani, gli sguardi e anche la semplice presenza, una buona fetta della riuscita dell’opera. Se al centro della scena c’è una personalità storica del calibro del leader bolscevico è fondamentale avere un interprete che lo rappresenti in modo fedele, perché vedere Lenin, praticamente dal vivo, rende lo spettacolo appagante e interessante già solo per quello. Tuttavia è felicissima anche la scelta del resto del cast, in particolare delle due figure femminili della vicenda. Innanzitutto va detto che né Nadežda Krupskaja né Inessa Armand, e tantomeno gli altri personaggi della storia, hanno una fama minimamente paragonabile a quella di Lenin. Quindi è opportuna la scelta di interpreti che non infastidiscano la leadership di Kingsley: Leslie Caron, nel ruolo della moglie Nadežda, Dominique Sanda, in quello dell’amante Inessa, sono chiamate ad imbastire con il protagonista un ménage a trois adatto alle esigenze televisive. Intendiamoci, da buon esempio di sceneggiato Rai da prima serata, ne Il treno di Lenin non ci sono situazioni piccanti; ma la velata tresca tra Lenin e Inessa provoca brusii e voci sul treno, tra gli esuli rimpatriati, che ben rappresentano la tipica curiosità italiana per il gossip. Magistrale, in questo, la classe di Leslie Caron, ad interpretare il ruolo della donna messa da parte a fronte della giovinezza dell’amante. Da sottolineare che l’ex ballerina nel 1988 aveva 57 anni, ben 17 in più della rivale; tanto per farsi un’idea, nel 1951 quando Leslie esordiva al cinema, col botto, nel ruolo da protagonista di Un americano a Parigi (di Vincente Minnelli), la Sanda aveva tre anni. La muta sofferenza di Nadežda, che sopporta stoicamente una situazione davvero poco lusinghiera, è uno dei cardini su cui poggia la narrazione negli inevitabili momenti di stanca di un viaggio in cui, da un punto di vista dell’intreccio, succede poco. E la Caron, in realtà ancora meravigliosa anche al tempo, riesce a fornire la prestazione credibile di una donna ormai sfiorita e che mai si era sentita davvero bella. Brava anche la Sanda in un ruolo più semplice ma adatto alla sua avvenenza, era un’indossatrice, condita da una bellezza vagamente sofferta. E’ una scelta felice, quella di puntare su una buona consistenza della traccia sentimentale, sebbene rimanga tutta sottesa, (e qui è notevole la mano del regista), perché risponde sia alle esigenze narrative in senso più generale, dando un  po’ di corpo alla storia, sia a quelle di offrire uno spettacolo interessante per il pubblico televisivo. Per altro il contesto storico è sviluppato con notevole professionalità e il rigore è adeguato ad un momento storico memorabile. Le scelte narrative sono ben ponderate ed equilibrate, si prendano i due ufficiali tedeschi che accompagnano il convoglio come esempio: opportunisticamente calcolato e comprensivo Von Planetz (Günther Maria Halmer), fanatico e un po’ fuori controllo Von Buhring (Robin McCallum). L’insieme di questo affresco dà luogo ad un film pregevole: l’evento poco conosciuto ma cruciale, la precisa ricostruzione storica, la presenza di una figura carismatica come Lenin, il cast ben assemblato, i dettagli puntuali, come la linea di gesso tracciata nel corridoio del treno che demarca l’estraterritorialità, l’ambientazione claustrofobica, la capacità di dare ritmo di Damiani e non ultima, l’efficace musica.
Quando la televisione faceva cinema.    

SANDOKAN - NEL CUORE DELLA GIUNGLA

1783_SANDOKAN - NEL CUORE DELLA GIUNGLA , Italia, Francia 2025. Regia di Luca Bernabei e Nicola Abbatangelo

Ultimo dei due episodi della prima stagione diretto da Nicola Abbatangelo, Nel cuore della giungla conferma il trend positivo della serie. Tra Sandokan e Marianna ormai è evidente che ci sia del tenero ma il pirata si rivela uomo di parola: ha intenzione di liberare la giovane inglese dal momento che suo padre, il console, ha pagato il riscatto. Alanah Bloor, l’attrice che interpreta Marianna, è brava a lasciare giusto una traccia della delusione del suo personaggio nell’apprendere che sta per essere lasciata andare. Questo dovrebbe, in teoria, renderla felice, ma è ovvio che il rischio concreto che la sua storia con Sandokan possa essere ai titoli di coda non è che la solletichi troppo. Il pirata, da parte sua, sembra non curarsene troppo, con Can Yaman che ormai è entrato bene nel ruolo e recita con scioltezza. La Tigre della Malesia, sul momento, sembra più concentrato a risolvere la questione dei suoi genitori che, come detto, erano Dayak, la stessa tribù di Sani. La quale, con questa svolta nell’atteggiamento di Sandokan, torna ora a sperare che sia davvero l’uomo della profezia, come sostenuto da Lamai (Thoma Chaanhing). Questi era un importante esponente della tribù Dayak e, prima di morire, aveva riconosciuto l’amuleto al collo di Sandokan e compreso che si trattasse dell’uomo che avrebbe guidato il suo popolo alla libertà. Ora che si era scoperto che il pirata era stato adottato ed era di sangue dayak, la cosa acquistava credibilità. Giunti a Sarawak, Sandokan, Suni e Marianna sbarcano: l’intenzione della Tigre della Malesia è lasciare la ragazza inglese vicino alle miniere controllate dal Sultano Muda Hashim, in teoria interessato al recupero della figlia del console. In realtà il Sultano ha intenzione di eliminarla, in quanto pericoloso testimone, ma questo Sandokan non può saperlo; in ogni caso, il pirata e le due ragazze non fanno tempo ad entrare nella giungla che vengono catturati dai ferocissimi Dayak, che sembrano avere un diavolo per capello. Suni si fa riconoscere e spiega la situazione; oltretutto il capo del villaggio è il padre di Lamai, tuttavia le cose non vanno del tutto lisce. Alla fine Sandokan riesce a convincere i Dayak a dargli una possibilità e la sua richiesta viene in qualche modo accolta: ma per dimostrare di essere davvero un membro della tribù, dovrà superare la prova del cobra gigante. I Dayak, infatti, assumono nel tempo piccole dosi di veleno, finendo per divenirne immuni; Sandokan, che ora comincia a ricordare il suo passato di bambino sull’isola, non ha mai fatto ciò, pertanto il morso del serpente gli sarebbe fatale. Alla fine di un bell’episodio concitato la Tigre della Malesia se la cava, pur se malandato dal veleno del gigantesco rettile e Marianna lo assiste amorevolmente o quasi: ormai la loro storia è pronta a divampare. Yanez e gli altri pirati, che avevano in programma di andare a spassarsela coi soldi del riscatto, hanno invece seguito Sandokan e si sono ora ricongiunti a lui. Ma non bisogna scordare Brooke e il sergente Murray che non hanno mollato la ricerca di Marianna; sono ancora indietro, ma adesso hanno almeno un vantaggio: sanno di avere nel Sultano Muda Hashin un nemico e non un alleato.  Insomma, la trama si srotola bene e tutto è pronto per il proseguo della serie: piccolo particolare, al momento Sandokan, per effetto del veleno del cobra, è cieco.         

GLORY TO THE HEROES

1792 GLORY TO THE HEROES . Francia, Ucraina 2023. Regia di Bernard-Henri Lévy e Marc Roussel  

Nell’originale francese, andato in onda su France 2 nel novembre del 2023, il terzo capitolo filmico sulla guerra in Ucraina di Bernard-Henri Lévy e Marc Roussel, si intitolava L’Ucraine au cœur, l’Ucraina a cuore. Per l’edizione internazionale, adottata anche in Italia, si è scelto Glory to the Heroes, gloria agli eroi, un termine certamente azzeccato se consideriamo il contenuto del nuovo documentario di Lévy. Ma che evidenzia un altro significato, che forse è anche quello più importante. Nei suoi tre film dedicati alla guerra russo-ucraina, il filosofo francese si è subito schierato dalla parte di Kyiv, apertamente ed esplicitamente. Il secondo documentario di quella che, almeno per ora, sembra una trilogia a tema, si intitola Slavia Ukraini, ovvero gloria all’Ucraina, che è la prima parte del saluto nazionale che ha più di cent’anni ma che sta furoreggiando nel Paese da quando è cominciato il tentativo dei filorussi di divere l’integrità della nazione. Quando si ode uno Slava Ukraini, gli ucraini rispondono prontamente Heroiam Slava, che significa appunto «gloria agli eroi», ovvero il titolo di questo nuovo documentario della coppia Lévy – Roussel. Questo terzo documentario ricalca quindi i film precedenti dando forse più spazio alla componente bellica, presentandosi come una sorta di diario di guerra. Le qualità sono le sempre le stesse, è indiscutibile che Lévy ci metta sempre la faccia e metta a repentaglio la sua vita per raccontare quello che gli sta a cuore; chi lo trova insopportabile per la sua vena autocompiaciuta, avrà di che lagnarsi anche in questa circostanza, ma l’impressione, per questi severi critici, è che stiano guardando il dito anziché la Luna. L’attenzione che il filosofo presta agli stranieri impiegati al fianco degli ucraini come volontari, lascia intendere come Lévy voglia ricordare all’Europa e al mondo occidentale che questa è una guerra contro la tirannia. E non è la guerra dell’Ucraina ma la guerra del mondo libero che viene combattuta dalla sola Ucraina. Difficile dargli torto.      

 

 LA STUDENTESSA E L'ORSO è uno studio sulla guerra russo-ucraina attraverso il cinema. 

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